Llega el momento de despedirse de los análisis de categorías y lo hacemos con
un post del que tradicionalmente se ocupa una firma invitada de lujo: Adriana
Izquierdo. Lamentablemente, su trabajo en Prime Video (desde aquí recomendamos el visionado de 'Reina Roja') le ha impedido estar en esta ocasión
con nosotros, así que intentaremos cubrir la papeleta como buenamente se
pueda. En Mejor Música se dan cita este año cuatro de las películas nominadas
en la categoría principal ('American Ficition', 'Los asesinos de la luna',
'Oppenheimer' y 'Pobres criaturas') y una que no tiene ninguna otra
candidatura ('Indiana Jones y el dial del destino'). A las puertas de la nominación se quedaron bandas sonoras tan destacadas como 'La zona de interés', 'Spider-Man: Cruzando el Multiverso' o 'El chico y la garza'.
MEJOR MÚSICA
'American Fiction' (Laura Karpman)
La presencia de 'American Fiction' en esta categoría fue una de las grandes
sorpresas del anuncio de las nominaciones pero lo cierto es que, unos meses
antes, la banda sonora de Laura Karpman ya había sido reconocida como una de
las mejores del año por la Sociedad de Compositores y Letristas. Esta supone
la primera candidatura para una mujer que cuenta con una amplia trayectoria
pero que no adquirió notoriedad hasta hace muy poco gracias a sus trabajos en
series de televisión como 'Territorio Lovecraft' o 'Ms. Marvel'. Karpman -esto
es importante para entender su nominación- es una figura importante dentro de
la Academia ya que fue la tercera mujer que logró ingresar en la rama de
compositores y al año siguiente se convirtió en su primera gobernadora. El
protagonista de 'American Fiction' comparte nombre con uno de los más grandes
pianistas de jazz de todos los tiempos (Thelonious Monk), así que era
inevitable que su banda sonora rindiera tributo al músico. Karpman comenzó a
trabajó sobre la película cuando esta ya estaba finalizada y escribió varios
temas originales que, de alguna manera, bebían del estilo de Monk. Para manejar
los cambios de tono de la historia, la compositora optó por usar siempre el
mismo grupo de de instrumentos (saxofones, piano, bajo, batería, flauta y
cuerdas) pero interpretarlos de diferentes maneras dependiendo de cómo
evolucionara la historia. Se trata de una banda sonora de acompañamiento que
pasa bastante desapercibida en la película pero que es ideal para escuchar de
fondo mientras trabajas.
'Indiana Jones y el dial del destino' (John Williams)
Suele dar la impresión de que la Academia nomina a John Williams siempre que
puede, algo que no es del todo cierto (no lo fue por 'Los archivos del
Pentágono' o 'Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal'), pero que
se acerca bastante a la realidad. Gracias a 'Indiana Jones y el dial del
destino', el venerado compositor alcanza su 54ª nominación y se queda a sólo
cinco del récord de Walt Disney pero, dada su avanzada edad (es la el nominado más longevo de toda la historia de los Oscar con 92 años), se antoja
imposible que pueda alcanzar al genio de la animación. La Academia tuvo una
oportunidad de oro para haberle dado su sexta estatuilla el año pasado por
'Los Fabelman', pero los votantes decidieron apostar por 'Sin novedad en el frente', de
manera que su último Oscar sigue siendo el que ganó en 1994 por 'La lista de
Schindler'. 'El dial del destino' es una película llena de referencias a las
anteriores entregas de la saga, así que recicla mucho de las bandas sonoras de
aquellas. Inicialmente, Williams solamente iba a escribir un puñado de temas para esta película, pero se vio tan atraído por el proyecto que acabó escribiendo una partitura
completa. Entre los temas nuevos destaca uno del que se siente particularmente
orgulloso: 'Helena's Theme'. La canción escrita para el personaje interpretado por Phoebe
Waller-Bridge nos recuerda la facultad de este titán para ponernos la
piel de gallina con sus insuperables orquestaciones.
'Los asesinos de la luna' (Robbie Robertson)
Robbie Robertson es una figura fundamental en la historia de la música
norteamericana. Formó parte del mítico grupo The Band, protagonista de 'El
último vals', documental dirigido con Scorsese. Durante esta larga amistad que
se remonta hasta los años 70, Robbie ha colaborado con Marty en varias de sus
películas pero no fue hasta 'El irlandés' que se lanzó a componer una banda
sonora completa. Para Robertson, 'Los asesinos de la luna' fue un proyecto
especial ya que su madre era una nativa americana y durante toda su vida ha estado visitando reservas indias. Buscando inspiración para su partitura,
Robertson viajó a Oklahoma durante el rodaje la película y estuvo pasando un
tiempo con los Osage. Su banda sonora escapa, como no podía ser de otra
manera, de la música india estereotipada que se solía escuchar en los
'westerns' clásicos. El objetivo de Robertson era crear un enjambre de
guitarras en el que se van superponiendo los sonidos, las texturas y las
sensaciones rítmicas. Hay un aspecto mágico en la banda sonora, que
remite a los cantos de Peyote, y un importante componente bluesístico que va
asociado a los personajes blancos de esta historia. Robertson murió en agosto
del año pasado, apenas unos meses después de que 'Los asesinos de la luna'
fuera exhibida en el Festival de Cannes y de que su partitura recibiera todo
tipo de elogios. Aunque el factor emocional le hará rascar algunos votos,
Mejor Música es una de las muchas estatuillas que ya parecen estar adjudicadas
a 'Oppenheimer'.
'Oppenheimer' (Ludwig Göransson)
El compositor sueco Ludwig Göransson, que ganó el Oscar por 'Black Panther' en
su única nominación hasta la fecha en esta categoría (también fue nominado en
Mejor Canción por su secuela), ha sido el mejor sustituto posible para Hans
Zimmer. El alemán había trabajado en todas las películas de Christopher Nolan
desde 'Batman Begins' hasta 'Dunkerque', pero Göransson ya encargó de ponerle
música a 'Tenet' y ahora aspira a conseguir su segunda estatuilla por la banda
sonora que todo el mundo ha utilizado en alguna ocasión en las redes sociales.
En su primera conversación con Nolan, este compositor que comenzó a labrarse
un nombre en el mundo de la música de la mano de Childish Gambino recibió una
instrucción clara: "Creo que deberías experimentar con el violín". Ludwig se tomó al pie de la letra las palabras del director y creó una banda sonora llena de
cuerdas, que se siente al mismo tiempo moderna y clásica, y que suena tan
frenética e inquietante como la película a la que acompaña. La novia del
compositor, que es violinista, jugó un papel fundamental en la creación del
tema principal de la película, que fue la primera pieza musical que escribió y sobre la que se edificó el resto de la banda
sonora. En su afán por adentrarse dentro de la mente del protagonista, la
partitura de 'Oppenheimer' acaba siendo la más ambiciosa y compleja hasta la
fecha de un compositor que, con tan sólo 39 años, tiene un futuro
impresionante por delante.
'Pobres criaturas' (Jerskin Fendrix)
Jerskin Fendrix nunca había compuesto la banda sonora de una película cuando
Yorgos Lanthimos contactó con él para encargarle la música para su
radical cuento de hadas. El griego llegó a él tras haber escuchado
'Winterreise', un disco de pop experimental que le hizo pensar que era el
hombre adecuado para el trabajo. Fendrix (su nombre real es Joscelin
Dent-Pooley) comenzó a componer música para 'Pobres criaturas' antes de que
comenzara el rodaje, escribiendo partes importantes de la partitura basándose
únicamente en el guion de Tony McNamara y varios conceptos artísticos. En este
proceso inicial, no hubo ningún tipo de referencia (ni de otra banda sonora, ni
de ningún tipo de música) porque tanto Lanthimos como él decidieron que la
película debía tener una identidad propia y exclusiva, así que el compositor se
limitó a inspirarse en el trabajo de los otros miembros del equipo técnico y
artístico. Sin embargo, en algunos momentos puntuales, es fácil rastrear en su
trabajo la influencia de algunas partituras clásicas de Disney y de las
películas de monstruos de Universal. El resultado final es una banda sonora
subversiva y anárquica (como la propia Bella Baxter), que se convierte en un
elemento fundamental para transmitir los sentimientos de la protagonista.
Quedan dos días para la ceremonia de los Oscar y a estas alturas resulta ridículo plantearse la posibilidad de que 'Oppenheimer' pueda perder. Más bien, se podría decir que la duda principal es cuántos premios acabará llevándose la película de Christopher Nolan. Nos encontramos ante una extraña carrera por el Oscar en la que se ha dado unanimidad absoluta: la misma película ha ganado PGA, DGA, SAG, Critics Choice, Globo de Oro y BAFTA. Incluso el pasado año, cuando 'Todo a la vez en todas partes' arrasó en la temporada de premios, hubo dos premios que se le resistieron: el Globo de Oro y el BAFTA.
La única película que ganó el Oscar tras haber perdido todos los precursores clave fue 'Braveheart' en 1996, pero al menos la película de Mel Gibson ganó el Globo de Oro y el Critics Choice a la mejor dirección (dos premios que este año también han sido para 'Oppenheimer'). Es verdad que recientemente tuvimos el caso de 'Moonlight', que ganó el Oscar pese a haber perdido en los tres sindicatos principales, pero es que la película de Barry Jenkins fue la más premiada de aquella temporada superando a 'La La Land'. No hace falta decir que la película más premiada de este año también es 'Oppenheimer'.
'Oppenheimer' llega a los Oscar como la favorita indiscutible en Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actor Secundario, Mejor Fotografía, Mejor Montaje, Mejor Música y Mejor Sonido. Eso significaría que igualaría los siete premios conseguidos por 'Todo a la vez en todas partes' en la pasada edición. Pero es que, además, tiene serias opciones de llevarse el premio al mejor actor. Si Cillian Murphy bate a Paul Giamatti (tal como ha hecho en SAG y en BAFTA), 'Oppenheimer' se convertiría en la primera película que consigue ocho estatuillas desde 2009 ('Slumdog Millionaire').
El 10 de marzo será la gran noche de 'Oppenheimer' pero también podría ser una fecha memorable (en menor medida, claro) para un par de candidatas. 'Los que se quedan' tiene asegurado el premio a la mejor actriz secundaria y sigue teniendo opciones en Mejor Actor y Mejor Guion Original. Por su parte, 'Pobres criaturas' cuenta con muchas posibilidades de acabar siendo la segunda película más premiada de la edición: es la favorita en Mejor Diseño de Producción y Mejor Vestuario, podría dar la sorpresa en Mejor Maquillaje y Peluquería (tal como hizo en los BAFTA) y disputará hasta el final el premio a la mejor actriz.
Como ocurrió con 'El irlandés', 'Los asesinos de la luna' se ha ido deshinchando a medida que avanzaba la temporada y la película de Martin Scorsese tiene en Mejor Actriz la mejor oportunidad (tal vez la única) para no irse de vacío de la ceremonia. Lo mismo ocurre con 'Barbie', que solamente llega como favorita para el premio a la mejor canción pero que sigue aspirando a quitarle Mejor Diseño de Producción o Mejor Vestuario a 'Pobres criaturas'.
La Academia decidió este año incluir a dos títulos internacionales en la categoría principal, y todo apunta a que ambas van a salir recompensadas de la ceremonia. 'La zona de interés' es la gran favorita en Mejor Película Internacional y aspira a dar la sorpresa en Mejor Sonido, mientras que 'Anatomía de una caída' llega como la rival a batir en Mejor Guion Original tras haber convertirse en una de las grandes sorpresas del anuncio de las nominaciones.
Las dos óperas primas nominadas de este año han sido, con permiso de 'Los que se quedan', los dos grandes títulos 'indies' de la temporada. Por un lado, 'American Fiction' ha conseguido sobrevivir al 'hype' de ganar Premio del Público en el Festival de Toronto y llega a la ceremonia como la favorita en Mejor Guion Adaptado. Por otro lado está 'Vidas pasadas', la favorita de los premios independientes (ganó tanto en los Gotham como en los Spirit), que solamente pudo lograr dos nominaciones en los Oscar y que se irá de vacío de la ceremonia a menos que dé la campanada en Mejor Guion Original.
La categoría se cierra con 'Maestro', clásico ejemplo de candidata que no se sabe muy bien cómo ha acabado aquí. Las críticas fueron frías ya desde el Festival de Venecia, y su estreno en Netflix vino acompañado de una considerable ola de 'hate' ante este intento poco disimulado de Bradley Cooper por hacerse con el Oscar. Aunque la transformación de Cooper en Leonard Bernstein no va a ser recompensada en Mejor Actor, sí podría serlo en Mejor Maquillaje y Peluquería.
Ganará: 'Oppenheimer' Podría ganar: 'Los que se quedan' Debería ganar: 'Pobres criaturas' Debería estar nominada: 'El chico y la garza'
MEJOR DIRECCIÓN
Jonathan Glazer por 'La zona de interés'
Antes de estrenarse en el cine con 'Sexy Beast', Jonathan Glazer ya se había hecho con un nombre en el audiovisual gracias a sus videoclips para grupos como Jamiroquai, Radiohead o Massive Attack. La nominación al Oscar al mejor actor de reparto (Ben Kingsley) lograda por su ópera prima seguía siendo, a día de hoy, la única de toda la filmografía de Glazer, ya que sus siguientes películas ('Reencarnación' y 'Under the Skin') fueron incomprendidas en su momento. Gracias a 'La zona de interŕes', su regreso al cine diez años después, Glazer ha conseguido el aplauso unánime que se le había resistido hasta ahora con una película que, paradójicamente, resulta un visionado extremadamente difícil para muchos. En 'La zona de interés', Glazer volvió a emplear el sistema de grabación multicámara que ya utilizó en algunas secuencias de 'Under the Skin' y convirtió el rodaje, según sus propias palabras, en un "Gran Hermano nazi": las cámaras estaban escondidas y los actores improvisaban durante largas tomas. Mientras que el hipnótico experimento observacional que plantea la película sitúa al espectador en la posición de los nazis, el director no deja de encontrar nuevas maneras de incomodar, ya sea a través a través del sonido (que combina los horrores en off de Auschwitz con la infernal banda sonora de Mica Levi) o de decisiones insólitas (como ese inquietante momento en el que la película se colapsa y la pantalla se va a rojo). Cine de autor en su máxima expresión.
Yorgos Lanthimos por 'Pobres criaturas'
Yorgos Lanthimos no puede quejarse del trato que ha recibido por parte de los Oscar. La inclasificable 'Canino' (2009) consiguió una nominación en Mejor Película Internacional y la todavía más loca 'Langosta' (2015) entró en Mejor Guion Original. Eso sí, la enfermiza 'El sacrificio de un ciervo sagrado' fue demasiado fuerte para los estómagos de unos académicos que un año después estaban otorgando diez nominaciones a 'La favorita'. 'Pobres criaturas' supone la segunda candidatura como director para este hombre que, aunque se ha ido volviendo cada vez más accesible, nunca ha dejado destacar como uno de los cineastas más singulares y creativos de la actualidad. El mismo director que en sus primeros trabajos ambientaba sus películas en entornos cerrados y opresivos, consigue crear uno de los universos más originales y atractivos del cine reciente y se lo pasa en grande jugando con la puesta en escena (pasando del blanco y negro al color, volviendo a los grandes angulares y al ojo de pez de 'La favorita' o moviendo la cámara de forma insólita). Sin embargo, nunca pierde de vista que ese mundo expresionista y deliberadamente artificioso responde al viaje de autodescubrimiento de la protagonista. Los que critican el exceso de la puesta en escena de Lanthimos están olvidando qué clase de personaje es Bella Baxter (una mujer con el cerebro de un bebé) y cómo ese mundo exagerado va evolucionando a medida que ella también lo hace. 'Pobres criaturas' también es la confirmación de que el griego es un excelente director de actores capaz de llevar a todos sus intérpretes hasta los lugares más insospechados e incómodos.
Christopher Nolan por 'Oppenheimer'
Aunque resulte sorprendente, esta es solamente la segunda nominación al Oscar en esta categoría para el director favorito de Film Twitter. Tras un primer contacto con los premios de la Academia en la categoría de mejor guion original gracias a 'Memento', el trabajo de Nolan en títulos como 'El caballero oscuro' u 'Origen' pedía a gritos una nominación como director, pero no fue hasta 'Dunkerque' que logró romper el techo de cristal. Seis años después, Christopher Nolan vuelve a la categoría de mejor dirección y esta vez lo hace como el favorito indiscutible tras haberse llevado todos los precursores de los Oscar. Tras una película como 'Tenet', que solamente fue apreciada por sus fans más 'hardcore', Nolan se embarcó en un proyecto más alejado del cine de género y también, a priori, menos comercial de lo habitual (aunque se acabó convirtiendo en su película más taquillera fuera de la trilogía de 'Batman'). Todos los elementos de la puesta en escena están al servicio de ofrecer una experiencia inmersiva al espectador, desde la abundancia de primeros planos (capturados con una extraordinaria nitidez gracias a la tecnología IMAX), al diseño de sonido, pasando por la decisión de uno usar CGI para recrear la explosión nuclear. 'Oppenheimer' es una película que siente importante y que lo recuerda en cada plano, y está claro que la Academia ha comprado esa narrativa. Nolan, uno de los grandes defensores de la experiencia cinematográfica en salas, va a ganar el Oscar por la película que (junto a 'Barbie'), insufló vida a la taquilla en un momento crítico para la industria. El 'timing' es perfecto.
Martin Scorsese por 'Los asesinos de la luna'
Con 'Los asesinos de la luna', Martin Scorsese sigue engrandeciendo su leyenda en los Oscar y encrudeciendo su particular duelo con Steven Spielberg. Gracias a su nominación por 'Los asesinos de la luna', Scorsese se ha convertido en el segundo hombre más nominado en Mejor Dirección con un total de 10 candidaturas, superando así Spielberg y situándose a sólo dos de William Wyler. Su victoria por 'Infiltrados' sigue siendo la única para un director que este año también hecho historia al convertirse en el hombre más veterano que ha sido nominado en esta categoría (con 81 años). Como experto en cine clásico que es, Scorsese era muy consciente de la representación que han tenido históricamente los nativos americanos en Hollywood, así que uno de sus principales objetivos en esta película era el de hacerles justicia. El resultado es una de las películas más sobrias de su carrera, con una cámara calmada (en la línea de la de 'El irlandés) y que parece ajustarse a la época que retrata. Aunque 'Los asesinos de la luna' se podría considerar el primer 'western' de su carrera, lo cierto es que el retrato de auge y posterior caída de estos codiciosos hombres blancos acaba recordando mucho a sus películas sobre la mafia. Tal vez por la particular manera de hacer las cosas de Scorsese (el guion no dejó de evolucionar durante el rodaje), el mensaje primigenio de la película está en ocasiones cerca de diluirse, pero el propio director (en persona) acude al rescate en los últimos minutos de la película para poner el broche de oro a una de las películas más emocionales de su carrera.
Justine Triet por 'Anatomía de una caída'
La carrera de Justine Triet ha sido discreta pero siempre en sentido ascendente. Con su ópera prima ('La batalla de Solferino') consiguió una nominación al Ceśar a la mejor ópera prima, con la segunda ('Los casos de victoria') entró en la categoría principal de los premios del cine francés y con la tercera ('El reflejo de Sibyl') compitió por primera vez en la Sección Oficial del Festival de Cannes. Tras ganar la Palma de Oro, 'Anatomía de una caída' se convirtió en una de las favoritas al Oscar a la mejor película internacional pero la Academia Francesa decidió que la elegida debía ser 'A fuego lento'. Los Oscar, sin embargo, no han tenido problema en abrirle las puertas de las dos categorías principales y Justine Triet se convirtió en la mayor sorpresa en Mejor Dirección (una nominación muy meritoria teniendo en cuenta que tuvo que batir a dos pesos pesados como Alexander Payne y Greta Gerwig). Los académicos han debido valorar muy positivamente la ambición del trabajo de Triet, que disfraza de drama judicial una película que en realidad es un retrato extremadamente realista de la destrucción de un matrimonio y, más concretamente, un estudio psicológico de una mujer. Es un trabajo de puesta en escena elegante que destaca particularmente en las tensas secuencias que se desarrollan en el tribunal, pero tampoco nos engañemos: 'Anatomía de una caída' merece mucho más la nominación (y el premio) en Mejor Guion Original que en Mejor Dirección.
Ganará: Christopher Nolan por 'Oppenheimer'
Podría ganar: Jonathan Glazer por 'La zona de interés'
Debería ganar: Jonathan Glazer por 'La zona de interés'
Debería estar nominada: Celine Song por 'Vidas pasadas'
Hay un momento clave en la carrera por el Oscar a la mejor película internacional y fue cuando la Academia Francesa decidió seleccionar 'A fuego lento' en lugar de 'Anatomía de una caída'. Desde ese instante, 'La zona de interés' se quedó sin rival, ya que hay pocos temas que funcionen mejor en esta categoría que el Holocausto. Las otras dos categorías que repasaremos en este análisis han tenido historias mucho más largas. En Mejor Documental hemos visto cómo la película más premiada de la temporada ('La vida de Michael J. Fox'), ni siquiera ha sido nominada al Oscar; mientras que en Mejor Película de Animación, el duelo entre 'El chico y la garza' (ganadora del Globo de Oro y el BAFTA) y 'Spider-Man: Cruzando el Multiverso' (triunfadora en PGA, Critics Choice y Annies)no se resolverá hasta el momento en el que se abra el sobre.
MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL
'Perfect Days' (Japón)
Wim Wenders consigue la primera nominación de su carrera en la categoría de Mejor Película Internacional (hasta ahora solamente habría sido nominado como documentalista) por este retrato de un solitario limpiador de aseos públicos de Tokio con el que rinde homenaje a la cultura nipona. Koji Yakusho (premio al mejor actor en Cannes) se encarga de interpretar a este hombre que, pese a tener una vida humilde y rutinaria, es capaz de apreciar las pequeñas alegrías del día a día: escuchar viejas canciones en su coche, leer un libro antes de dormir o hacer fotografías a los árboles con su vieja cámara. Aunque su visionado pueda significar un desafío para muchos espectadores por culpa de su ritmo pausado, resulta muy difícil no encariñarse con este hombre. Si por momentos parece un spot de los baños públicos, es porque precisamente así fue como arrancó el proyecto: Wenders fue contratado por el Tokyo Toilet Project para que filmara una serie de cortos que acabaron evolucionando en un largometraje. 'Perfect Days' no había funcionado en los precursores tan bien como cabía esperar (no ha ganado ni un solo premio en toda la carrera), pero los académicos se han dejado seducir por esta pequeña película sobre la belleza de lo cotidiano... y de los baños públicos de Tokio.
'Sala de profesores' (Alemania)
Alemania vuelve a la carga un año después de su victoria en esta categoría y precisamente lo hace con la película que logró batir a 'Sin novedad en el frente' en los premios de la Academia germana. Dirigida por el cineasta de origen turco Ilker Catak, 'Sala de profesores' está protagonizada por una idealista profesora (Leonie Benesch) que comete el error de intentar solucionar por su cuenta un problema que está sucediendo en la escuela (una serie de robos). Usando un opresivo formato cuadrado, Catak construye un absorbente thriller que se va volviendo cada vez más asfixiante a medida que la protagonista se ve inmersa en una ola de acusaciones, dudas y situaciones tensas con alumnos, padres y sus propios compañeros. La puesta en escena favorece que el espectador se ponga en los zapatos de la profesora mientras esta se enfrenta a dilemas morales que recuerdan al cine de los hermanos Dardenne o de Asghar Farhadi. Aunque el desarrollo de los acontecimientos no resulta especialmente creíble, 'Sala de profesores' consigue no decaer en ningún momento gracias a su vibrante montaje (premiado en la Seminci) y al alucinante trabajo de su protagonista y todo el plantel de secundarios (sobre todo, Eva Löbau como la insoportable conserje y Leonard Stettnisch como su hijo).
'La sociedad de la nieve' (España)
Aunque 'La sociedad de la nieve' haya sido un tremendo éxito en Netflix y sea una película llamada a conectar con un público más amplio que 'La zona de interés', la presencia de la cinta británica en las dos categorías principales da que pensar que su triunfo aquí es inevitable. Da la impresión de que, en un año en el que sin tantas cintas internacionales potentes, la película de Bayona habría aspirado a mucho más, pero finalmente se ha tenido que conformar con sus menciones en esta categoría y en Mejor Maquillaje. Aunque muchos ya conocieran perfectamente "la tragedia de Los Andes" (sobre todo, gracias al telefilme '¡Viven!'), 'La sociedad de la nieve' logra ofrecer una nueva perspectiva para, a partir de la novela de Pablo Vierci, poner el foco no sólo en los supervivientes sino también en las víctimas. En su regreso al cine español tras sus coqueteos con Hollywood, Bayona no ha perdido ninguna de sus dos señas de identidad principales: la excelencia técnica y su capacidad para lograr emocionar al espectador. En definitiva, 'La sociedad de la nieve' es un 'crowd-pleaser' de manual que funciona perfectamente con espectadores poco exigentes, algo que está genial para arrasar en los Goya pero que no es suficiente para ganar el Oscar a la mejor película internacional.
'La zona de interés' (Reino Unido)
Desde que lo hicieran con 'Roma' en 2019, los académicos siempre han nominado a la gran favorita al Oscar internacional en una o dos de las categorías principales. Este año, la elegida ha sido 'La zona de interés'. Pese a estar rodada en Polonia y filmada en alemán, esta producción británica aspira a lograr el primer Oscar para Reino Unido en la categoría destinada a las películas de habla no inglesa. Este insólito retrato del Holocausto, libremente inspirado en la novela de Martin Amis, marca el regreso de Jonathan Glazer a la dirección diez años después de 'Under the Skin'. Ninguna otra de las nominadas de este año responde mejor a la expresión "cine de autor", ya que la sombra del director está presente en cada uno de los planos de la película, desde la sobrecogedora pantalla negra con la que arranca hasta sus sorprendentes minutos finales. 'La zona de interés' ha tenido su particular "bestia negra" en 'Anatomía de una caída' desde que ambas películas se estrenaron en Cannes. La película de Justine Triet ganó a la de Glazer en el festival francés (donde 'La zona de interes' se conformó con el Gran Premio del Jurado), en los Premios del Cine Europeo y en los Globos de Oro y, además, ha sido la película internacional más premiada de la temporada. Afortunadamente para Glazer, en los Oscar no se tendrá que ver las caras con la película francesa.
'Yo capitán' (Italia)
La última película de Matteo Garrone salió del Festival de Venecia con dos premios (Mejor Dirección y Mejor Actor Joven) y disparada hacia la nominación al Oscar, por mucho que las asociaciones de críticos optaran por ignorarla (títulos como 'Fallen Leaves', 'Godzilla: Minus One' o 'A fuego lento' fueron mucho más frecuentes en sus candidaturas). 'Yo capitán' narra la aventura de dos chicos senegaleses que atraviesan el desierto para llegar a Europa en busca de una vida mejor, sin sospechar que su viaje estará lleno de obstáculos. Para escribir el guion, Garrone (responsable de reflexiones sobre la violencia como 'Dogman' o 'Gomorra' y de fábulas como 'Pinocho' o 'El cuento de los cuentos'), se basó en testimonios reales de inmigrantes africanos. Aunque hubo parte de la prensa que condenó la aproximación miserabilista de Garrone al tema de la inmigración, la película consigue poner de relieve las terribles situaciones (incluyendo el tráfico humano y las torturas) en las que se ven envueltas todas estas personas. Los dos chavales protagonistas (Seydou Sarr y Moustapha Fall), actores no profesionales, resultan extraordinariamente creíbles y carismáticos y, aunque la película resulta irregular en su desarrollo, Garrone la sabe acabar muy arriba con una poderosa escena (la que le da título) que es una de esas que no se olvidan.
Ganará: 'La zona de interés'
Podría ganar: 'La sociedad de la nieve' Debería ganar: 'La zona de interés' Debería estar nominada: 'Fallen Leaves'
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
'20 días en Mariúpol' (Mstyslav Chernov, Michelle Mizner y Raney Aronson-Rath)
'20 días en Mariúpol' está construido a base de las grabaciones que fueron recopiladas por los reporteros Mstyslav Chernov (ganador del Pultizer) y Evgeniy Maloletka durante los primeros días de la invasión rusa de Ucrania a principios de 2022. Ellos dos fueron de los pocos periodistas que pudieron continuar documentando el ataque a Mariúpol, por los que sus imágenes se volvieron indispensables y fueron utilizadas en medios de comunicación de todo el mundo. La película se centra en hospitales y otras instalaciones médicas, donde el equipo filmó cómo los civiles heridos eran atendidos en unas condiciones que cada vez eran más pobres. Este testimonio en primera mano de una tragedia que ha sacudido al mundo es una película extremadamente cruda y que, en su afán por sacudir la conciencia del espectador, no repara en mostrar imágenes escabrosas (uno pierde la cuenta de la cantidad de cadáveres que aparecen en ella). '20 días en Mariúpol' habría tenido más competencia si 'crowd-pleasers' como 'American Symphony' o 'La vida de Michael J. Fox' hubieran logrado la nominación. Pero, tras ganar el BAFTA (donde además también estuvo nominada como película internacional), se ha confirmado como la rival a batir en esta categoría.
'Bobi Wine: El Presidente del Pueblo' (Moses Bwayo, Christopher Sharp y John Battsek)
El documental que resultó ganador en la última entrega de los IDA Awards es un retrato de una figura fundamental de la historia reciente de Uganda. El cantante Bobi Wine comenzó hablando sobre los problemas de su país en sus canciones, pasó a ser diputado y acabó presentándose a las elecciones presidenciales. La cruzada personal de este hombre para derrocar al dictador Yoweri Museveni recuerda mucho al documental que se hizo con el Oscar en la anterior edición: 'Navalny'. A medida que crece la popularidad de Wine, el gobierno ugandés comenzará a tomar represalias sobre su pueblo y a perseguir al músico convertido en político, que llega a ser arrestado y torturado durante días. Los directores debutantes Moses Bwayo y Christopher Sharp siguieron a Bobi y su familia durante varios años, recogiendo imágenes que no sólo muestran el fervor que despertaba entre sus seguidores sino también la corrupción del sistema político ugandés (fácilmente extrapolable a otros muchos países) que, para perpetuar su reino del terror, llega incluso a manipular unas elecciones. Muy pocas asociaciones se acordaron de 'Bobi Wine: El Presidente del Pueblo' durante la temporada de premios pero entre ellas estuvieron el DGA, los BAFTA (en la categoría de Mejor Debut) o los BIFA.
'La memoria infinita' (Maite Alberdi)
La directora chilena Maite Alberdi regresa a los Oscar tres años después de su primera nominación con 'El agente' con una nueva película en la que vuelve a demostrar su capacidad para romper el corazón del espectador. 'La memoria infinita' retrata cómo es el día a día de Augusto Góngora y su esposa Paulina Urrutia poco después de que a él le diagnostiquen Alzheimer. Él fue un periodista que documentó el gobierno de Pinochet y ella fue actriz y ministra de Cultura de su país. Este es un retrato demoledor sobre los efectos del Alzheimer en una persona, pero también un repaso a la la historia reciente de Chile y un recordatorio de los horribles crímenes perpetrados por Pinochet. Alberdi documentó a la pareja durante varios años y dejó que Urrutia fuera la operadora de cámara durante la pandemia (lo que da como resultado numerosos planos desenfocados). Aunque la película tiene momentos divertidos e intenta lanzar un mensaje esperanzador, lo cierto es que en todo momento resulta dolorosa y sobrecogedora porque el espectador sabe perfectamente que no hay final feliz para esta historia. Augusto Góngora, que fue el principal impulsor de este proyecto, murió el pasado año, por lo que la película se ha convertido en el mejor homenaje posible a su figura.
'Las cuatro hijas' (Kaouther Ben Hania y Nadim Cheikhrouha)
Vuelve a los Oscar Kaouther Ben Hania, la directora que le dio a Túnez su primera nominación al Oscar en Mejor Película Internacional con 'El hombre que vendió su piel'. 'Las cuatro hijas', galardonado con el premio al mejor documental en Cannes (donde compitió por la Palma de Oro), destroza las convenciones del género al mezclar a las protagonistas reales de su historia con algunas actrices. Narra la historia de Olfa y sus cuatro hijas, dos de ellas detenidas y encarceladas por unirse a Estado Islámico. Ben Hania reúne a Olfa y sus dos hijas reales con dos actrices jóvenes que interpretan a las dos que huyeron y una más veterana (Hend Sabry) que en ocasiones realiza el papel de madre. Por su escenografía, la película también coquetea con el teatro y, para rizar el rizo, la propia directora también interviene en la acción en muchos momentos (aunque sólo escuchamos su voz). Los testimonios de Olfa y sus dos hijas son sobrecogedores y verlas recrear algunas de las escenas que vivieron en la realidad (al estilo de 'The Act of Killig' resulta estremecedor. El desarrollo de estos particulares ensayos permite que Olfa (una mujer muy complicada) y sus hijas no sólo exorcicen sus demonios sino que también aprendan a entenderse. 'Las cuatro hijas' no sólo es ambiciosa por su dispositivo narrativo sino también por la variedad y gravedad de los temas que aborda.
'To Kill a Tiger' (Nisha Pahuja, Cornelia Principe y David Oppenheim)
La mayor sorpresa de la categoría fue la inclusión de 'To Kill a Tiger', documental canadiense que había tenido muy poco impacto en la temporada de premios pero que sí había disfrutado de un exitoso paso por festivales. Ambientado en un pueblo de la India, cuenta la historia de una familia que busca justicia después de que su hija de 13 años fuera violada por tres hombres. La película se centra especialmente en la figura de su padre, Ranjit, un hombre torturado que no deja de culparse a sí mismo por lo ocurrido. La directora Nisha Pahuja, experimentada documentalista que comenzó su carrera hace más de 20 años, pone un especial empeño en sacar a la luz las vergüenzas de sistema judicial indio. Aunque tal vez se recrea demasiado en el drama de esta familia, abusando de testimonios que no aportan gran cosa, esta inspiradora historia acaba llegando a un emocionante desenlace. El caso de esta familia sacudió a la opinión pública y sirvió como ejemplo para dar voz a muchas supervivientes que hasta entonces no se habían atrevido a denunciar. La película está apadrinada por varios productores ejecutivos de renombre (Dev Patel, Mindy Kaling o la poetisa Rupi Kaur) que a buen seguro se habrán ocupado de que la película fuera vista por el mayor número posible de votantes.
Ganará: '20 días en Mariúpol'
Podría ganar: 'Las cuatro hijas'
Debería ganar: 'Las cuatro hijas' Debería estar nominada: 'La vida de Michael J. Fox'
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
'El chico y la garza' (Hayao Miyazaki y Toshio Suzuki)
El primer film de Hayao Miyazaki en diez años está inspirado en el clásico de la literatura nipona '¿Cómo vives?' y cuenta la historia de un niño que pierde a su madre y se marcha con su padre a vivir a una nueva ciudad. 'El chico y la garza' podría describirse como una mezcla entre 'El viento se levanta' y 'El viaje de Chihiro', puesto que la película arranca en un entorno realista (Japón en medio de Segunda Guerra Mundial) pero después se va a adentrando poco a poco en el terreno de la fantasía hasta convertirse en una gran aventura en un universo mágico que solamente podría haber sido ideado por Miyazaki. La película, que se hizo con el tercer puesto en el Premio del Público en el Festival de Toronto (todo un hito para una cinta de animación), ha plantado a cara a 'Spider-Man: Cruzando el Multiverso' durante toda la carrera y ha conseguido llegar viva a la ceremonia de los Oscar. Aunque Miyazaki ya tiene un Oscar ('El viaje de Chihiro' fue la segunda película premiada en esta categoría), muchos académicos podrían considerar que un galardón no es suficiente para el genio japonés y, teniendo en cuenta que ya tiene 83 años, hay muchas opciones de que esta sea la última posibilidad para darle otra estatuilla.
'Elemental' (Peter Sohn y Denise Ream)
Peter Sohn, responsable de 'El viaje de Arlo' (una de las películas menos estimulantes de Pixar) consiguió que la compañía le volviera a dejar dirigir una película en solitario y el resultado ha sido igualmente decepcionante. Tras desaparecer de la categoría principal de los Annie Awards, el puesto en los Oscar de 'Elemental' comenzó a tambalearse, pero la rama de animadores de la Academia siempre ha demostrado tener más manga ancha con Pixar que con el resto de productoras. Por supuesto, la película hace gala de una animación sensacional, especialmente inspirada en la creación de su universo y en la representación del agua y el fuego, los dos elementos que conforman sus dos personajes principales. Peter Sohn se inspiró en la historia de amor de sus padres, quienes emigraron de Corea en los años 70 y tenían una tienda de comestibles en el Bronx. La película tiene corazón (es lo mínimo que se puede pedir) y lanza un mensaje importante sobre el entendimiento entre distintas culturas, pero no hay ninguna chispa en un guion que está lleno de lugares comunes y que confirma el bajón de calidad de Pixar en los últimos años.
'Nimona' (Nick Bruno, Troy Quane, Karen Ryan y Julie Zackary)
'Nimona' es un proyecto que fue rescatado por Annapurna y Netflix después de que Disney cerrara Blue Sky. Dirigida por el tándem formado por Nick Bruno y Troy Quane ('Espías con disfraz'), la película adapta la popular novela gráfica LGBTQ de ND Stevenson en la que un caballero caído en desgracia por un crimen que no cometió encuentra una inesperada aliada en Nimona, una adolescente metamorfa. A estos dos personajes ultracarismáticos hay que sumar un universo medieval con toques de ciencia ficción (a medio camino entre el creado por Eyvind Earle para 'La bella durmiente' y el arte modernista de Charley Harper) y una colorista animación con estética 2D que echa el resto en el diseño del sinfín de formas que adopta Nimona. La película abraza el componente LGTB y se convierte en un canto a la diversidad al situar como protagonistas a un hombre gay y a una mujer en la que se refleja una clara alegoría sobre la experiencia transexual. Desde que Netflix logró su primera nominación en Mejor Película de Animación en 2020, nunca se ha quedado fuera de la categoría y el año pasado consiguió su primera victoria gracia a 'Pinocho de Guillermo del Toro'.
Tercera nominación para el cine español en esta categoría tras las logradas por 'Chico y rita' y 'Klaus' (que compitió hasta el final la estatuilla con 'Toy Story 4'). La película de Pablo Berger no había estado en ningún precursor pero su paso por los premios de la crítica (fue 'runner-up' en Los Ángeles) y, especialmente, sus cinco nominaciones a los Annie (incluyendo la de mejor dirección) hicieron que su presencia en los Oscar no fuera precisamente una sorpresa. La adaptación de la novela gráfica de Sara Varon está protagonizada por un perro solitario que se construye un robot en un Manhattan ambientado en los años 80 y habitado por animales. Entre los dos surge un vínculo muy fuerte pero, desgraciadamente para ellos, sus caminos no tardarán en separarse. Berger prescinde de los diálogos (como en el cómic) y lo deja todo en manos de una sencilla pero radiante animación en 2D y de una cuidada banda sonora. Resulta muy fácil dejarse seducir por estos dos personajes y por su absoluta falta de pretensiones y no prestar importancia aspectos como sus problemas de ritmo, su guion extremadamente simple o que se trate de un título muy enfocado hacia un público infantil.
'Spider-Man: Cruzando el Multiverso' (Kemp Powers, Justin K. Thompson, Phil Lord, Christopher Miller y Amy Pascal)
Tras ganar el Oscar con su primera entrega, la saga de 'Spider-Man' cambió a su trío de directores pero no sólo mantuvo el nivel sino que fue aún más allá en todos los aspectos que hicieron de 'Un nuevo universo' una de las películas de animación más rompedoras de los últimos tiempos. Más grande, más larga y con muchos cortes (porque el trabajo de montaje es absolutamente demencial), 'Cruzando el Multiverso' tuvo unas críticas tan superlativas cuando se estrenó el pasado verano que fue inevitable no pensar que la película tenía opciones de acabar compitiendo por un puesto en la categoría principal. Finalmente, no sólo no ha estado ni cerca de entrar en Mejor Película sino que ni siquiera ha logrado estar en ninguna otra categoría más allá de la de animación (pese a ser una contendiente fuerte en Mejor Música y Mejores Efectos Visuales). Es posible que se viera perjudicada por la polémica en la que se vio involucrada cuando varios animadores de la película denunciaron sus condiciones de trabajo, pero eso no ha impedido que se haya convertido en la cinta de animación más premiada por la crítica y por los sindicatos. Sin embargo, ya perdió tanto ante 'El chico y la garza' en los Globo de Oro y los BAFTA, y es probable que en los Oscar le vuelva a pasar el factura el hecho de ser una entrega más de una saga que ya ha sido oscarizada y que podrá volver a serlo en el futuro.
Ganará: 'El chico y la garza'
Podría ganar: 'Spider-Man: Cruzando el Multiverso'
Debería ganar: 'El chico y la garza'
Debería estar nominada: 'Ninja Turtles: Caos mutante'
Al contrario de lo que ocurre en Mejor Actor Secundario y Mejor Actor Secundaria, Mejor Actor y Mejor Actriz son dos categorías que tendrán emoción hasta el momento final en el que se abran los sobres. Los dos intérpretes protagonistas más premiados de la temporada (Cillian Murphy y Lily Gladstone) llegan a la ceremonia como favoritos tras sus victorias en el Sindicato de Actores, pero tanto Paul Giamatti (ganador de Globo y Critics) como, sobre todo, Emma Stone (que se llevó Globo, Critics y BAFTA) siguen teniendo opciones de dar la campanada. En estas dos categorías se dieron dos de las mayores sorpresas de las nominaciones, ya que la rama de actores decidió que las estrellas de dos de las películas favoritas del año (Leonardo DiCaprio y Margot Robbie) debían ser sacrificadas para dar cabida a los protagonistas de dos 'biopics cazapremios' de Netflix: Colman Domingo y Annette Bening.
MEJOR ACTOR
Bradley Cooper por 'Maestro'
Desde su primera nominación en 2013 por 'El lado buenos de las cosas', Bradley Cooper ha acumulado una docena de candidaturas: cinco como intérprete, cinco como productor y dos como guionista. Son unos números impresionantes para un hombre que en las dos ocasiones que se ha puesto detrás de las cámaras ha sabido construirse unos vehículos de lucimiento impecables: primero fue 'Ha nacido una estrella' y ahora 'Maestro'. La mala noticia para él es que todavía no ha conseguido la estatuilla y que, por culpa del empeño que parece haber puesto en conseguirlo, se ha convertido en un 'meme' con patas. Desde que Cooper recogió el testigo de Spielberg y se convirtió en el 'alma mater' del proyecto de 'Maestro', comenzó una ardua investigación para rendir el mejor tributo posible a Leonard Bernstein, un hombre al que no conoció personalmente pero por el que siente una profunda admiración. Además de estudiar a conciencia la voz y la gestualidad de Bernstein, el actor puso un especial empeño en el manejo de la batuta. Para ello contó con la colaboración de Yannick Nézet-Séguin, director musical de la Metropolitan Opera, y también asistió a la Filarmónica de Los Ángeles bajo la dirección de Gustavo Dudamel. Un Cooper algo más reconocible en los primeros compases de 'Maestro' acaba desapareciendo por completo bajo el excelso maquillaje de Kazu Hiro (y esa nariz superlativa que ha sido objeto de tantas bromas durante la carrera).
Colman Domingo por 'Rustin'
Aunque la carrera de Colman Domingo se remonta a los años 90 (uno de sus primeros papeles fue en 'Ejecución inminente' al lado de Clint Eastwood), sus oportunidades para brillar siempre habían sido muy reducidas. Eso cambió hace relativamente poco con los dos trabajos que le dieron el empujón definitivo: su breve intervención en la serie 'Euphoria' (que le valió un Emmy como actor invitado) y su participación en la multinominada al Oscar 'La madre del blues'. Cuando Domingo recibió el guion de 'Rustin' de parte de los Obama (productores de la película) y del director George C.Wolfe, supo que estaba ante una oportunidad única para revindicar a Bayard Rustin, una figura clave en el movimiento de los derechos civiles. La película narra la lucha de Rustin por organizar la histórica Marcha sobre Washington de 1963, mientras da algunos apuntes sobre su vida personal. Con una dentadura postiza y una peluca poco convincente, Domingo convierte a Rustin en un hombre carismático y determinado, y consigue subir el nivel de un insulso 'biopic' que llegó a los Oscar con opciones de nominación solamente en Mejor Actor y Mejor Canción. Como Bayard, Colman Domingo también es un icono para la comunidad LGTB y, gracias a esta nominación, se ha convertido en el primer actor abiertamente gay que se hace con la candidatura desde que Ian McKellen lo consiguiera por 'Dioses y monstruos' en 1999.
Paul Giamatti por 'Los que se quedan'
Durante los años 90, Paul Giamatti se convirtió en un secundario de lujo gracias a títulos como 'El show de Truman' o 'Man on the Moon'. Con el cambio de siglo, le comenzaron a llegar papeles como protagonista: conquistó a la crítica con 'American Splendor' y se quedó a las puertas de la nominación al Oscar por 'Entre copas' en 2005. La candidatura que logró al año siguiente por 'Cinderella Man' fue la primera y, hasta ahora, la última para un actor siempre solvente pero que a veces da la impresión de ser incapaz de decir "no" a ningún proyecto (se embarcó incluso en la segunda temporada de la serie española '30 monedas'). En 'Los que se quedan', da vida a Paul Hunham, un profesor cascarrabias que se ve obligado a quedarse en el colegio interno en el que trabaja durante las vacaciones de Navidad. Este hombre amargado que durante años ha estado más pendiente de sus libros de historia que de las personas que le rodean irá abriendo progresivamente su corazón a medida que vaya intimando con un alumno complicado y una cocinera deprimida. Es un papel que encaja como un guante para Giamatti, un actor de una extraordinaria expresividad que sabe manejarse a la perfección tanto en la comedia como en el drama y que resulta verdaderamente hilarante cada vez que el personaje pierde los nervios y se pone a blasfemar de forma barroca. Giamatti ha citado como una de sus grandes influencias al Art Cartney de 'Harry y Tonto', una interpretación que fue galardonada con la estatuilla. ¿Seguirá él la misma suerte?
Cillian Murphy por 'Oppenheimer'
Cillian Murphy le debe muchísimo a dos directores. El primero de ellos es Danny Boyle, que le dio la oportunidad de protagonizar '28 días después' (2002), y el segundo es Christopher Nolan, que lo acogió bajo su ala en 'Batman Begins' y le convirtió en uno de los actores más habituales de su filmografía. Precisamente la saga de Batman es una de las escasas concesiones al cine comercial que ha realizado este actor irlandés que siempre ha rehusado la condición de estrella y que rara vez ha trabajado fuera de las islas británicas. Hasta que se convirtió en J. Robert Oppenheimer (un personaje que marcará para siempre su carrera, con Oscar o sin él), su papel más importante había sido el que realizó durante nueve años en la serie 'Peaky Blinders'. La primera participación real de Murhpy en una carrera por el Oscar (aunque ya logró alguna candidatura por 'Desayuno en Plutón' en 2006), se ha saldado con una gran cantidad de premios, en parte por ser el protagonista de la película favorita del año pero también porque su trabajo interpretativo en 'Oppenheimer' fue de una tremenda exigencia. Para parecerse lo máximo posible al físico teórico, un hombre que sobrevivía básicamente a base de cigarrillos y pipas, Murphy tomó la decisión de comer muy poco durante el rodaje, lo que le llevó a una pérdida de peso notable. Con esa delgadez extrema, un laborioso trabajo vocal y sus enormes y expresivos ojos, Murphy consigue colocar ante la cámara de manera creíble el tormento interior que vivió Oppenheimer.
Jeffrey Wright por 'American Fiction'
Mucho ha tardado en llegar la primera nominación para Jeffrey Wright, un auténtico seguro de vida absolutamente incapaz de entregar una mala interpretación y que siempre sube el nivel de cualquier película o serie en la que esté involucrado. Después de encadenar un papel pequeño tras otro durante más de una una década (con la excepción de 'Basquiat', su primer protagonista), la carrera de Wright despegó en 2204 tras ganar el Emmy y el Globo de Oro con la miniserie 'Ángeles en América' (por el mismo doble papel que ya le había valido el Tony). En 2005 cosechó excelentes críticas y algunas menciones en la temporada de premios por 'Flores rotas' y 'Syriana', y después llegarían sus participaciones en las películas de James Bond y en la saga 'Los juegos del hambre'. Wright no ha disfrutado de muchos papeles protagonistas a lo largo de su carrera y tampoco ha sido habitual verlo en comedias, pero 'American Fiction' le ha permitido resarcirse en ambos aspectos. El actor está particularmente divertido en la piel de 'Monk' Ellison, un escritor resentido con el mundo literario que finge ser alguien que no es. Pese a ser un actor acostumbrado a jugar con su cuerpo y su voz, Wright decide prescindir aquí de cualquier artificio, de manera que su simbiosis con el personaje es total. Como el Paul de 'Los que se quedan', 'Monk' es un hombre culto y profundamente amargado que ha decidido construirse una coraza para aislarse del mundo, pero Wright sabe aportarle la humanidad necesaria como para que el espectador no lo rechace ni siquiera cuando se comporta como un auténtico gilipollas.
Ganará: Cillian Murphy por 'Oppenheimer'
Podría ganar: Paul Giamatti por 'Los que se quedan'
Debería ganar: Bradley Cooper por 'Maestro'
Debería estar nominado: Andrew Scott por 'Desconocidos'
MEJOR ACTRIZ
Annette Bening por 'Nyad'
Annette Bening consigue este año la quinta nominación de su carrera. La veterana actriz ha repartido sus candidaturas en cuatro décadas distintas: se estrenó en los Oscar gracias a 'Los timadores' (1990), uno de sus primeros papeles en el cine, y después llegarían sus dos derrotas ante Hilary Swank (por 'American Beauty' y 'Conociendo a Julia') y otra ante Natalie Portman (por 'Los chicos están bien'). Aunque todavía no haya ganado la estatuilla, Bening es una actriz enormemente respetada por su compañeros y ese estatus sin duda le ha ayudado a la hora de lograr su candidatura por 'Nyad', una película que solamente ha sido reconocida en esta categoría y también en la de Mejor Actriz Secundaria (Jodie Foster). Bening se sometió a un exigente entrenamiento para convertirse en Diana Nyad, una nadadora de fondo que a los 60 años decide volver a intentar realizar la proeza que se le resistió tres décadas antes: la travesía desde Cuba a Florida. Bening no hace un retrato extremadamente amable de Diana, un personaje muy popular en Estados Unidos gracias a su carrera en la televisión, al mostrarla como alguien obstinada, terca y difícil de tratar (incluso para su mejor amiga Bonnie). Ni siquiera la polémica que rodea a la nadadora (no está del todo claro si logró su reto de manera lícita), ha impedido que su historia acabara calando en el corazón de los académicos, al menos lo suficiente como para que Bening sacara a Margot Robbie del quinteto de nominadas.
Lily Gladstone por 'Los asesinos de la luna'
Es habitual que se hable de Lily Gladstone como una de las revelaciones del año cinematográfico, e incluso ha ganado algún premio en esa categoría. Sin embargo, el término "revelación" difícilmente se puede aplicar a una actriz que hace unos años consiguió varios premios de la crítica (incluyendo los de asociaciones tan prestigiosas como Nueva York, Los Ángeles o Boston) por su trabajo en 'Certain Women' (2016). Desde entonces no es que se haya prodigado mucho, aunque sí se la pudo ver brevemente en 'First Cow' (nuevamente de la mano de Kelly Reichardt) y en esta misma temporada ganó el Gotham por el título 'indie' 'The Unknown Country'. De hecho, Gladstone estaba muy cerca de aceptar un trabajo que no tenía nada que ver con el mundo de la interpretación cuando recibió la llamada para hacer el casting de 'Los asesinos de la luna'. En ese momento, el personaje de Molly Burkhart estaba lejos de tener un papel protagonista en 'Los asesinos de la luna' pero el guion evolucionó hasta darle a esta mujer el sitio que se merecía. De hecho, el guion estuvo tan vivo incluso durante el rodaje que la propia Lily escribió alguna de sus líneas de diálogo. Molly es una mujer de pocas palabras y que, salvo escasas excepciones, siempre se muestra extremadamente calmada pese a los horrores que están ocurriendo a su alrededor. Aunque el desarrollo del guion hace que Gladstone desaparezca de la película durante demasiado tiempo la actriz sabe sacar petróleo cada vez que están en pantalla y cuenta a su favor con la poderosa narrativa de convertirse en la primera intérprete indígena ganadora del Oscar.
Sandra Hüller por 'Anatomía de una caída'
Cuando Sandra Hüller pise la alfombra roja de los Oscar el próximo 10 de marzo, no será la primera vez que lo haga. La actriz alemana ya acudió a la gala en calidad de protagonista de 'Toni Erdmann', que fue nominada en la categoría de mejor película internacional. Aquel papel fue el que le permitió comenzar a trabajar fuera de su país. Justine Triet la fichó para un pequeño papel en 'El reflejo de Sibyl' y quedó tan encantada con su trabajo que escribió 'Anatomía de una caída' con ella en mente. Por si su trabajo en la película francesa no fuera suficiente, Hüller también brilló el año pasado en otra de las candidatas a los Oscar ('La zona de interés'), en un papel radicalmente distinto que demuestra su extraordinaria versatilidad. En 'Anatomía de una caída', Hüller interpreta a la escritora que es acusada de haber asesinado a su marido, una mujer que está sobrepasada por los acontecimientos y que se siente juzgada por todo el mundo, pero que en todo momento se comporta de una manera ambigua. La actriz (que nunca supo si su personaje era inocente o culpable) realiza un trabajo de una extraordinaria sutileza, reservando los estallidos de rabia para momentos muy puntuales (como la famosa escena de la discusión con su marido). Hüller ya se manejaba muy bien con el inglés pero, antes del rodaje, tuvo que ponerse en serio con el francés para entender perfectamente no sólo el significado de todas las palabras sino también el tono y la intención con las que se pronunciaban.
Carey Mulligan por 'Maestro'
Tras debutar a lo grande interpretando a una de las hermanas de Keira Knightley en 'Orgullo y prejuicio', Carey Mulligan se curtió en la televisión británica y se estrenó en los Oscar con su primer papel protagonista: 'Una educación'. Aunque en ningún momento ha dejado de trabajar y ha logrado coleccionar un buen número de títulos memorables, sí se puede afirmar que los últimos años están siendo una época particularmente dulce de su carrera: se quedó a las puertas de la estatuilla con 'Una joven prometedora', volvió a formar parte de la temporada de premios gracias a 'Al descubierto', y este año ha vuelto a ser nominada con 'Maestro' (además de aparecer brevemente en 'Saltburn'). Mientras modifica su acento para asemejar su voz a la de Felicia Montealegre (la esposa de Bernstein era costarricense), Mulligan transmite elegancia y aporta entereza a una mujer que abandonó su carrera como actriz y tuvo que perdonar lo que no está escrito para preservar su matrimonio con el compositor y el bienestar de su familia. El destino fatal de Felicia permite a Carey lucirse en las escenas más dramáticas del film, que acaban convirtiéndose en sus mejores 'Oscar clips'. Ya desde el Festival de Venecia, hubo periodistas que apuntaban que Mulligan lograba robar el show a Cooper. Más allá del duelo interpretativo, lo que ha quedado claro es que su actuación era lo suficientemente sólida como para resistir a la ola de antipatía generada por la película (y también a la inclusión en el quinteto de Annette Bening).
Emma Stone por 'Pobres criaturas'
Convertida en ídolo adolescente gracias a 'Bienvenidos a Zombieland', 'Rumores y mentiras' o 'The Amazing Spider-Man', Emma Stone transicionó con éxito hacia el cine adulto con una rompedora interpretación en 'Birdman' que la confirmó como una de las mejores actrices jóvenes de Hollywood. Solamente dos años después de su primera nominación, la estatuilla a la mejor actriz que ganó por 'La La Land' se sintió como algo natural. En una muestra más de su ambición y su falta de miedo, aceptó la propuesta del inclasificable Yorgos Lanthimos para embarcarse en 'La favorita', y su primera colaboración con el griego se saldó con una nueva nominación al Oscar. Cuatro años más tarde, Stone vuelve a los Oscar, de nuevo de la mano de Lanthimos, con un papel destinado a ocupar un lugar privilegiado no sólo en su filmografía sino en la historia del cine. En 'Pobres criaturas', Emma Stone asume el reto de interpretar a Bella Baxter, una mujer que alberga dentro de su cabeza el cerebro de su bebé. El resultado es una persona adulta con dificultades para caminar y para hablar y un comportamiento desinhibido que desafía toda las normas sociales. Cuando esta versión femenina del monstruo de Frankenstein sale al fin de la casa en la que fue creada, se irá desarrollando progresivamente hasta convertirse en una mujer inteligente, empoderada y avanzada a su tiempo. Ver cómo Stone interpreta toda esa evolución a través de su cuerpo, su voz e incluso su alma es uno de los mayores placeres que ofrece la película de Lanthimos. Las redes van a arder (de hecho, ya lo están haciendo) si Emma Stone no consigue su segunda estatuilla por 'Pobres criaturas' pero, si la actriz sigue sabiendo elegir tan sabiamente sus papeles, no tardará mucho tiempo en conseguirlo.
Ganará: Lily Gladstone por 'Los asesinos de la luna'
Podría ganar: Emma Stone por 'Pobres criaturas'
Debería ganar: Emma Stone por 'Pobres criaturas'
Debería estar nominada: Margot Robbie por 'Barbie'
La victoria de 'Anatomía de una caída' en la categoría de Mejor Guion en los Globos de Oro podría haber sido etiquetada como una anomalía en su momento. Sin embargo, el paso del tiempo ha acabado dando la razón a la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood porque, tras haberse adjudicado el BAFTA, la película francesa va a llegar a los Oscar como la máxima favorita para llevarse el premio (siendo 'Los que se quedan' su principal alternativa). Si Mejor Guion Original es la única oportunidad que tiene 'Anatomía de una caída' para evitar irse de vacío de los Oscar (salvo sorpresa mayúscula en Mejor Montaje), lo mismo ocurre con 'American Fiction' en Mejor Guion Adaptado. Aunque la competencia es feroz (cualquiera de las nominadas podría haber ganado en un año menos disputado), el guion de Cord Jefferson llega a los Oscar reforzado por los BAFTA (donde ganó pese a no tener otras nominaciones), los Critics Choice y los Spirit Awards.
MEJOR GUION ORIGINAL
'Anatomía de una caída' (Justine Triet y Arthur Harari)
'Anatomía de una caída' es la cuarta película dirigida por Justine Triet y la segunda escrita junto a su pareja Arthur Harari (que también es director y actor). No es casualidad que los protagonistas de la película sean también escritores, tanto el fallecido Samuel como su esposa Sandra (personaje escrito para que fuera interpretado por Sandra Hüller), que se convierte en la principal sospechosa de su asesinato. Además de ser un thriller judicial modélico, 'Anatomía de una caída' también es una brillante disección de las miserias de una pareja y, través de sus inteligentes diálogos y de una sabia dosificación de la información, la película va planteando dilemas morales que empujan al espectador a crear su propio veredicto (que no tiene por qué coincidir con el del tribunal). Los guionistas consiguen impregnarlo todo de ambigüedad e incluso los continuos cambios de idioma de Sandra (que alterna el francés con el inglés) se convierten en otro elemento con el que sembrar la sospecha: ¿acaso usa el inglés porque es el idioma en el que mejor sabe mentir? Es más, ¿puede ser que Sandra sea culpable y víctima al mismo tiempo? La película opta por no dar respuestas claras y eso es lo que sigue fascinando al público tantos meses después de su Palma de Oro en Cannes.
'Los que se quedan' (David Hemingson)
El proyecto de 'Los que se quedan' fue, en su origen, un piloto de una serie de televisión en el que el experimentado guionista David Hemingson narraba sus años de formación en una escuela de élite de Nueva Inglaterra en los años 80. Cuando ese guion primigenio llegó a las manos de Alexander Payne, el director californiano le propuso que escribiera una película ambientada en ese mismo mundo. Payne fue el el que delimitó el argumento principal de la película (inspirado en la cinta francesa 'Merlusse') y, aunque el guion evolucionó hacia algo completamente distinto, el resultado sigue siendo una carta de amor de Hemingson a las personas que lo criaron. Tanto el profesor cascarrabias interpretado por Paul Giamatti como la cocinera que tantos premios ha dado a Da'Vine salen de las experiencias que vivió el guionista en su juventud. 'Los que se quedan' intenta por momentos hacerse pasar por una película intelectual porque que el protagonista sea un profesor de historia antigua da pie a trufar la película de referencias a autores clásicos. Sin embargo, lo que la película acaba siendo es un 'crowd-pleaser' que, al igual que los clásicos de los años 70 que Hemingson tuvo como referencia ('El último detalle' o 'Mi vida es mi vida'), opta por tomarse su tiempo, desarrollar con mimo a sus personajes y construir las emociones de forma sutil.
'Maestro' (Bradley Cooper y Josh Singer)
Cuando Josh Singer fue contratado para escribir 'Maestro', este guionista curtido en televisión ni siquiera había ganado aún el Oscar por 'Spotlight'. Es más, el proyecto en ese momento iba a ser dirigido por Martin Scorsese (que lo dejó para centrarse en 'El irlandés') y posteriormente pasó por las manos de Steven Spielberg (que se decantó por 'West Side Story'). Cuando Bradley Cooper se incorporó finalmente al proyecto en 2018, escribió junto a Singer una nueva versión del guion que dejaba la biografía de Leonard Bernstein como telón de fondo y decidía centrarse en su complicado matrimonio con Felicia Montealegre (Carey Mulligan). Para su escritura usaron las grabaciones que John Gruen realizó a Bernstein y a su familia en 1967 para escribir su libro sobre el compositor. La nominación de 'Maestro' en esta categoría es una de las más cuestionables de las siete que ha conseguido la película ya que se trata de un guion funcional que avanza como una mera sucesión de momentos puntuales de la vida de Bernstein (que no necesariamente son los más importantes) que están al servicio del lucimiento del director (que realmente echa el resto en la puesta en escena) y de sus dos protagonistas. Si 'Barbie' hubiera competido como guion original, todo apunta a que la sacrificada en esta categoría habría sido 'Maestro'.
'Secretos de un escándalo' (Samy Burch y Alex Mechanik)
Aunque Samy Burch tiene una carrera consolidada como directora de casting, su aspiración siempre ha sido convertirse en cineasta. Tras escribir y dirigir varios cortos, fue en la primavera de 2019 cuando comenzó a desarrollar (junto a su marido Alex Mechanik) su primer guion de largometraje con el objetivo de conseguir un agente. Teniendo en cuenta su experiencia en la industria, tenía todo el sentido que la protagonista de la historia fuera una actriz. Inspirada en hechos reales (Mary Kay Letourneau fue encarcelada por mantener relaciones sexuales con un menor de edad con el que acabó formando una familia), 'Secretos de un escándalo' está narrada desde la perspectiva de Elizabeth Berry (Natalie Portman), la actriz que ha sido elegida para protagonizar la película que contará la historia de esta particular pareja. Aunque Todd Haynes sea incapaz de reconocer que 'Secretos de un escándalo' es una comedia, resulta muy difícil tomarse en serio un guion que decide abrazar el exceso desde el principio, jugando con los recursos propios de una telenovela y dibujando unos personajes tan intensos que resultan ridículos. Mejor Guion Original supone la única nominación para 'Secretos de un escándalo', una película que tuvo mucho respaldo por parte de la crítica pero que no logró calar tan hondo en los premios de la industria.
'Vidas pasadas' (Celine Song)
En 'Vidas pasadas', la debutante Celine Song cuenta una historia que conoce muy bien. Ella misma se encontró en la misma situación que abre y cierra la película: sentada en un bar de Nueva York, entre su amor de la infancia y su actual pareja. Como Nora (Greta Lee), Celine se vio convertida en un puente entre dos hombres que la amaban, pertenecientes a dos culturas muy distintas y que representaban dos partes distintas de sí misma. 'Vidas pasadas' es una de las incursiones más interesantes que se han realizado en el cine romántico en mucho tiempo, en gran parte porque Song demuestra ser una perfecta conocedora de las emociones humanas y porque sus diálogos resultan tan realistas que es muy fácil sentirse identificado con algunas de las frases que pronuncian sus protagonistas. Y tan importantes como las palabras son los silencios, que Song sabe usar sabiamente para conseguir momentos de una inexplicable belleza. Su inteligente guion consigue que llegamos a comprender a las tres partes de este triángulo amoroso, incluyendo al novio de Nora (John Magaro). Lejos de convertirlo en un villano, Song lo muestra como un ser de luz y en un verdadero modelo de conducta para cualquier hombre (no en vano, está representando a su pareja real), de manera que el espectador debe enfrentarse al mismo dilema que la protagonista.
Ganará: 'Anatomía de una caída'
Podría ganar: 'Los que se quedan'
Debería ganar: 'Anatomía de una caída'
Debería estar nominada: 'Esto va a doler'
MEJOR GUION ADAPTADO
'American Fiction' (Cord Jefferson)
Tras curtirse en la televisión con series como 'Master of None' o 'Watchmen' (por la que ganó el Emmy), Cord Jefferson se lanzó a debutar en el cine adaptando 'Erasure' (2001), una de las novelas del aclamado escritor Percival Everett. Desde el momento en el que la leyó, Jefferson sintió una especial conexión con el texto, no sólo por ser un autor negro que había sufrido en sus carnes lo que relataba Everett, sino también porque su biografía personal se asemejaba de manera sorprendente a la vida del personaje que acabaría siendo encarnado por Jeffrey Wright. Esta sátira protagonizada por un escritor afroamericano que decide escribir uno de esos libros que tanto odia (exitosos pero llenos de estereotipos sobre su raza) es una de las aproximaciones más originales que se han visto al tema de "la experiencia negra". 'American Fiction' es una reflexión sobre los prejuicios, las fachadas y las expectativas que destaca por contener algunos de los diálogos más punzantes e inteligentes del año. Sin embargo, Cord Jeffferson entiende que el público que va a ver su película no es el mismo que lee a Percival Everett y por eso acierta de pleno al otorgar una especial importancia a las relaciones que mantiene el protagonista con las personas que le rodean. La trama familiar paralela, aunque resulta mucho más convencional que todo el asunto del libro, acaba siendo clave a la hora de proporcionar un anclaje emocional al espectador.
'Barbie' (Greta Gerwig y Noah Baumbach)
Cuando Margot Robbie propuso a Greta Gerwig que se encarga del guion de 'Barbie', la directora aceptó con la condición de escribirlo junto a Noah Baumbach. De esta manera, 'Barbie' se convirtió en la primera película coescrita por la pareja de cineastas desde 'Mistress America'. Inicialmente, Baumbach no entendía por qué su novia se había embarcado en semejante tarea, pero quedó convencido cuando Gerwig comenzó a poner sobre el papel lo que tenía en la cabeza. Para la guerra de Barbies contra Kens que plantea la película, la directora necesitaba a un hombre que aportara la perspectiva masculina. El guion de 'Barbie' es mucho más osado de lo que cabría esperar en una película comercial porque invita continuamente a la reflexión (sobre la muñeca, sobre su influencia cultural, sobre el papel de la mujer en la sociedad...), aunque la forma en la que articula su mensaje resulta demasiado obvia y su inagotable sucesión de 'gags' (muchos de ellos sustentados sobre referencias 'pop') acaba funcionando más por acumulación que por la brillantez de los mismos. Además, la película cae en la enorme contradicción de burlarse de los ejecutivos de Mattel (representados por un grupo de hombres estúpidos liderados por Will Ferrell) mientras está contribuyendo a llenar las arcas de la empresa.
'Oppenheimer' (Christopher Nolan)
En 'Oppenheimer', Christopher Nolan asume la responsabilidad de contar uno de los acontecimientos más importantes de la historia del siglo XX, la creación de la bomba atómica, pero desde la perspectiva de su máximo responsable. El británico se basó en la biografía ganadora del Pulizer 'Prometeo americano' y escribió un guion en primera persona para intentar meterse en la cabeza de Oppenheimer. Durante su lectura del libro, un mamotreto de más de 700 páginas que requirió 25 años de investigación y escritura, Nolan se dio cuenta de que Lewis Strauss era el antagonista perfecto para su película y decidió que la columna de vertebral del guion serían la audiencia de seguridad de Oppenheimer de 1954 y la posterior audiencia de confirmación del Senado de Strauss. Para escribir las escenas que se desarrollan en los tribunales, el guionista acudió a las fuentes primarias: las transcripciones de esas audiciencias. Fue durante esa investigación que encontró el importante testimonio de David Hill (Rami Malek), un científico que ni siquiera aparecía en el libro. Nolan tiene mucho que contar en 'Oppenheimer' (el dilema moral que encierra la bomba, los problemas para construirla y sus consecuencias, la vida personal del científico...) y algunos de sus temas no son precisamente sencillos, pero su narrativa es tan fluida que el espectador no se pierde en ningún momento. Pero, como no se puede ser perfecto, el cineasta sigue teniendo un grave problema con la representación de las mujeres en sus películas.
'Pobres criaturas' (Tony McNamara)
Hay un antes y un después en la obra de Lanthimos desde que se alió con el guionista y productor Tony McNamara. Si 'La favorita' fue la película que le abrió las puertas de las categorías principales en los Oscar y también la que le permitió llegar a un público más amplio, 'Pobres criaturas' es lo más parecido a un 'crowd-pleaser' que hay en su filmografía. Eso se debe, en gran parte, a que el guion de McNamara está impregnado de un humanismo y un cariño hacia sus personajes que nunca antes se había visto en la obra del griego. Lanthimos sabía que el guionista que ya fue nominada por 'La favorita' era la persona idónea para el proyecto y por eso le mandó un ejemplar de la novela escrita por Alasdair Gray en 1922. Si la obra original estaba contada desde distintas perspectivas (incluyendo la del marido de Bella) y en ningún momento Gray dejaba claro si la rocambolesca historia que cuenta la mujer (se suicida pero vuelve a la vida utilizando el cerebro de su bebé) era cierta o no, McNamara decidió que la película debía estar contada únicamente desde su punto de vista. Eso hace que se elimine de raíz cualquier tipo de ambigüedad y la película se cargue de un mensaje de empoderamiento femenino que no dista mucho del que lanza 'Barbie', aunque en este caso está construido de una forma mucho más progresiva y sutil que en la película de Greta Gerwig.
'La zona de interés' (Jonathan Glazer)
Jonathan Glazer, descendiente de judíos que huyeron del Pogromo de Chisináu y se establecieron en el Reino Unido, siempre tuvo claro que quería abordar en algún momento el asunto del Holocausto. El viaje que culminaría en 'La zona de interés' comenzó hace una década, justo después del rodaje de su anterior película ('Under the Skin'), cuando Glazer leyó un adelanto de la novela de Martin Amis y adquirió sus derechos. En realidad, el guion resultante se parecía muy poco a la novela de Amis (solamente una de sus líneas de diálogo acabó en la película), pero lo que sí comparte con ella es la originalidad de su propuesta: la historia no está contada desde el punto de vista de las víctimas sino desde el del comandante de Auschwitz y su familia. Glazer prescindió del triángulo amoroso que presidía el relato de Amis para centrarse en un matrimonio y sus problemas cotidianos (de nuevo Sandra Hüller discutiendo con su marido). Pese a la gravedad del tema que aborda, la película se atreve a incorporar algunas píldoras de humor negro que hacen que la experiencia de ver la película (insólita ya desde su puesta en escena), se vuelva aún más bizarra. Se trata, sin duda, del guion con menos diálogos de los diez que han sido nominados este año pero es que Glazer no necesita palabras para transmitir el verdadero horror.
La carrera por el Oscar a los mejores efectos visuales sufrió una sacudida
cuando 'Oppenheimer' desapareció de la lista previa de 20 finalistas.
En un año sin una favorita indiscutible en este apartado (como sí lo fueron
con anterioridad 'Dune' o 'Avatar: El sentido del agua'),
la película de Christopher Nolan perfectamente podría haber acabado
haciéndose con este premio. Donde sí ha logrado mantener su favoritismo es en
Mejor Sonido, aunque el triunfo de 'La zona de interés' en los BAFTA ha
dado algo de emoción a la categoría. La tercera categoría que repasaremos en
este análisis es Mejor Canción, un premio que siempre ha pertenecido a
'Barbie'... aunque todavía está por ver cuál de sus dos temas nominados
es el que se acaba llevando el gato al agua.
MEJORES EFECTOS VISUALES
'The Creator' (Jay Cooper, Ian Comley, Andrew Roberts y Neil Corbould)
La categoría de Mejores Efectos Visuales también se podría haber llamado este
año 'Mejor Trabajo de Neil Corbould' porque el doble ganador del Oscar (y ocho
veces nominado) forma parte de tres de los cinco equipos nominados. La
película por la que tiene más opciones de llevarse su tercera estatuilla es
'The Creator', dominadora absoluta de los premios del Sindicato de Efectos
Visuales. La cinta de Gareth Edwards cuenta con los efectos visuales más
impresionantes e imaginativos de la temporada. Después de que Edwards rodara
toda su película al estilo guerrilla en 80 localizaciones del sudeste asiático
como operador de cámara principal con un equipo pequeño y luz natural, ILM
hizo que una película independiente de apenas 80 millones de dólares pareciera
un 'blockbuster' de 200 millones de presupuesto. Para ello usaron una
inteligente ingeniería inversa en la posproducción: diseñaron y colocaron los
efectos visuales naturalistas sobre los actores que interpretan los robots
humanoides llamados simulantes y otros robots, además de pintar, ampliar y
refinar los decorados basados en las placas fotográficas. La mayor parte del
trabajo de efectos visuales se dedicó de manera más creativa a los simulantes,
en particular a la niña interpretada por Madeleine Yuna Voyles. Es en el
diseño de su universo donde 'The Creator' alcanza la originalidad que no tiene
en su guion.
'Godzilla: Minus One' (Takashi Yamazaki, Kiyoko Shibuya, Masaki Takahashi y
Tatsuji Nojima)
'Godzilla: Minus One' fue una de las grandes sorpresas de la temporada en lo
que se refiere a los títulos de habla no inglesa. Las excelentes críticas
vinieron acompañado de algunos premios en la categoría de Mejor Película
Internacional y, sobre todo, Mejores Efectos Visuales. Su nominación al Oscar
ha sido histórica por varios motivos: es la primera para Japón en esta
categoría, también es la primera para una película de Godzilla y, además,
Takashi Yamazaki se ha convertido en el primer director nominado en este
apartado desde que Stanley Kubrick ganara por '2001: Una odisea del espacio'.
Su pequeño equipo de 35 artistas logró producir 610 tomas generadas por
ordenador con un presupuesto de producción de menos de 15 millones. Aunque
este Godzilla esté enteramente creado por ordenador, el monstruo sigue
teniendo un aspecto que recuerda a los muñecos que se usaban en los clásicos
japoneses. La película invierte mucho tiempo en el drama humano pero todas las
secuencias que involucran a Godzilla son espectaculares, destacando la
persecución en el mar (homenaje nada disimulado a 'Tiburón') y la gran batalla
final, que requirió una impresionante simulación de agua (y que tiene uno de
sus mayores valores en la banda sonora de Tatsuji Nojima). Pese a que es una
película que despierta pasiones (en Estados Unidos se ha convertido en la
tercera cinta en lengua extranjera más taquillera de la historia), ganar el
Oscar a los mejores efectos visuales sin tener ninguna otra nominación es algo
que en este siglo solamente ha logrado 'El libro de la selva'.
'Guardianes de la galaxia, volumen 3' (Stephane Ceretti, Alexis Wajsbrot,
Guy Williams y Theo Bialek)
El equipo de 'Guardianes de la galaxia, volumen 3' incluye a dos hombres que
cuentan con múltiples nominaciones gracias a sus trabajos para Marvel: Guy
Williams (cuatro) y Stephane Ceretti (tres). La tercera entrega de la exitosa
saga de James Gunn otorga una especial importancia al personaje de Rocket, lo
que hizo que Framestore tuviera que esmerarse en lograr una animación facial y
un detallismo en su pelaje que fueran lo más realistas posibles. También fue
necesario crear diferentes versiones de Rocket, ya que la película tiene
varios 'flashbacks' que lo muestran en edades distintas. Groot (que en el
rodaje fue interpretado por el actor de captura de movimiento Austin Freeman)
también sufrió un rediseño porque en esta película aparece más voluminoso que
nunca. Framestore, desde Londres, fue la encargada de ocuparse de Rocket,
Groot y otras criaturas, pero el trabajo de efectos visuales de la película
también se realizó en Nueva Zelanda (Weta) y Estados Unidos (Sony Pictures
Imageworks). El impresionante plano secuencia que muestra a los guardianes
luchando juntos por última vez fue uno de los mayores retos: se rodó durante
tres días en 18 tomas distintas y sin usar captura de movimiento. En total se
tuvieron que realizar 3066 tomas de efectos visuales para la película.
'Misión imposible: Sentencia mortal - Parte 1' (Alex Wuttke, Simone Coco,
Jeff Sutherland y Neil Corbould)
La saga 'Misión imposible' nunca había conseguido una nominación al Oscar pero
el primer episodio de 'Sentencia mortal' ha roto la maldición con menciones
tanto en este apartado como en el de mejor sonido. Christopher McQuarrie,
responsable de las tres últimas entregas, siempre quiere tener todo lo que sea
posible frente a la cámara, de manera que todos los planos de la película
siempre tengan una base sólida en la fotografía principal. Los efectos
visuales tienen que ser lo más realistas posibles, para integrarse
perfectamente con la narrativa y evitar distraer a la audiencia. ILM se
encargó de diseñar varias escenas de acción impresionantes para la película,
entre las que destaca especialmente el accidente del Orient Express. La escena
en la que el tren explota fue una combinación de técnicas: la locomotora era
una recreación a escala real que fue lanzada desde el borde de una cantera,
mientras que el equipo de FX se encargó de crear el puente y las simulaciones
de polvo, humo y agua. Para la secuencia de la persecución en Roma, el equipo
de producción consiguió reservar numerosas partes de la ciudad para el rodaje,
pero otras tuvieron que ser creadas dentro de un estudio en Reino Unido. La
escena en la Plaza de España es un ejemplo de ello: pudieron grabar arriba y
abajo de la escalera pero toda la acción que se desarrolla en los escalones se
rodó en un plató que albergaba una reconstrucción parcial del monumento a
escala real.
'Napoleón' (Charley Henley, Luc-Ewen Martin-Fenouillet, Simone Coco y Neil
Corbould)
Charley Henley (previamente nominado por 'Prometeus') encabeza un equipo en el
que se repiten dos de los nombres nominados por 'Misión imposible'. 'Napoleón'
es otro gran ejemplo de integración perfecta de CGI con efectos prácticos,
como puede apreciarse en sus diversas batallas (cada una de ellas con
diferentes estrategias geométricas). Lo más destacado es la secuencia de la
Batalla de Waterloo, que fue creada por la empresa MPC. A pesar de que Scott
restó importancia al papel de los efectos visuales, la película se basó en
gran medida en efectos digitales y se mantuvo fiel a su principio fundamental
de hacer todo lo posible en la práctica. Para Waterloo, utilizaron algunos
cañones y disparos reales y crearon el resto digitalmente. Asimismo,
contrataron unos cuantos cientos de extras y, a partir de ahí, extrapolaron y
crearon 50.000 tropas digitales. Dado que el ejército británico de la época
utilizaba cuadros defensivos compuestos por alrededor de 500 soldados, en el
set se fotografió un cuadro completo que los artistas de efectos visuales de
postproducción utilizaron como referencia para crear docenas de cuadros
adicionales. Para lograr que los caballos generados por ordenador se movieran
igual que los reales, tuvieron que ir un paso más allá en el nivel de
detallismo de la animación.
Ganará:'The Creator'
Podría ganar: 'Godzilla: Minus One'
Debería ganar: 'Misión imposible: Sentencia mortal - Parte 1'
Debería estar nominada: 'Pobres criaturas'
MEJOR SONIDO
'The Creator' (Ian Voigt, Erik Aadahl, Ethan Van der Ryn, Tom Ozanich y
Dean Zupancic)
Cuatro de los cinco componentes del equipo de sonido de 'The Creator' tienen
experiencia previa en los premios. Ethan Van der Ryn ganó dos veces en la
categoría de Mejor Edición de Sonido (por 'El retorno del rey' y 'King Kong')
y el dúo formado por Tom Ozanich y Dean Zupancic también está nominado este
año por 'Maestro'. Después de que Gareth Edwards rodara toda la película al
estilo guerrilla recorriendo varios países de Asia, los sonidistas tuvieron
que crear el paisaje sonoro único para Nueva Asia, incluyendo armas, vehículos
y dispositivos, junto con los sonidos de los simulantes y también los robots
menos avanzados. El director quería combinar este tipo de realismo usando los
sonidos reales de la naturaleza en todos estos diferentes países en los que
estuvo con la alta tecnología de lo que el diseño de sonido puede hacer, y
utilizar todo este espectro de sonido desde la ciencia ficción hasta el
realismo. Si bien los sonidos naturales extraídos del rodaje en diferentes
lugares exóticos provocan autenticidad, se tuvo que crear esta capa de
tecnología imaginada del futuro. Las voces de los personajes también responden
a esa combinación de técnicas: algunas son propias de una tecnología muy
avanzada pero otras se sienten arcaicas.
'Maestro' (Steven A. Morrow, Richard King, Jason Ruder, Tom Ozanich y Dean
Zupancic)
Los cinco nominados por 'Maestro' tienen experiencia previa en los Oscar,
aunque solamente Richard King (que este año también está nominado por
'Oppenheimer') sabe lo que es ganar la estatuilla. Como en 'Ha nacido una
estrella', Bradley Cooper quería que la música se grabara en vivo para situar
al espectador dentro de una orquesta o entre los asistentes a una fiesta. Para
el rodaje de esas escenas, se pusieron numerosos micrófonos en el set para
asegurarse de que todos los puntos estuvieran cubiertos y permitir que se
desarrollaran de un modo casi documental. El diseño sonoro evoluciona a medida
que avanza el metraje: el sonido comienza emulando emulando el del cine
clásico de Hollywood (mientras la película se desarrolla en los años 40) pero
después se va volviendo cada vez más grande y envolvente. La escena rodada en
un solo plano en la que Bernstein dirige una sinfonía de Gustav Mahler en la
Catedral de Ely de Londres supuso un gran desafío por las particularidades del
edificio. Para conseguir grabar correctamente la actuación, se necesitaron 61
micrófonos con sus respectivas 61 pistas. Algunos de los componentes de la
Orquesta Sinfónica de Londres, que realmente estuvieron en aquella actuación
junto a Bernstein, fueron los primeros sorprendidos con la autenticidad del
resultado final.
'Misión imposible: Sentencia mortal - Parte 1' (Chris Munro, James H.
Mather, Chris Burdon y Mark Taylor)
Todos los nominados por la última entrega de 'Misión imposible' saben lo que
es ganar la estatuilla. Chris Munro lo ha hecho en dos ocasiones ('Black Hawk
derribado' y 'Gravity') y los otros tres integrantes del equipo ganaron el año
pasado por 'Top Gun: Maverick'. El diseño de sonido de la película
protagonizada por Tom Cruise destaca por ser íntimo y visceral, para conseguir
introducir situar al espectador siempre muy cerca del protagonista. El propio
Cruise estuvo muy encima durante el proceso de postproducción e insistió en
que las peleas (como la que mantiene en Venecia con Pom Klementieff) no podían
sonar tan limpias como en una película de artes marciales, sino que debían ser
tan sucias e imperfectas que resultaran reales. El director Edgar Wright
también puso su granito de arena al proyecto ya que, tras asistir a una
proyección de la película, realizó unas observaciones que ayudaron a mejorar
el sonido de la Entidad, la inteligencia artificial que se convierte en el
principal villano de la película. El diseño de sonido de la película alcanza
su momento más excepcional en toda la secuencia del Orient Express, que
arranca con Tom Cruise en motocicleta lanzándose por un acantilado y termina
con un accidente de tren que, desde el punto de vista sonoro, intenta mantener
los pies en el suelo aunque lo que se esté viendo en pantalla sea del todo
inverosímil.
'Oppenheimer' (Willie Burton, Richard King, Gary A. Rizzo y Kevin
O'Connell)
Todos los nominados por 'Oppenheimer' también son antiguos ganadores de la
estatuilla. Willie Burton tiene dos (por 'Dreamgirls' y 'Bird'), Richard King
tiene cuatro (tres de ellos por películas de Christopher Nolan), Gary A. Rizzo
tiene dos (ambos por colaboraciones con el británico) y Kevin O'Connell, el
eterno perdedor de Oscars, no había vuelto a ser nominado desde que al fin
ganó la estatuilla (por 'Hasta el último hombre') en su 21ª nominación.
'Oppenheimer' supone un paso más allá en la eterna búsqueda de Nolan por
lograr una experiencia inmersiva para el espectador. Desde sus primeros
momentos, la película introduce al público dentro de la mente del protagonista
(y, ocasionalmente, también del antagonista) y, al igual que ocurre con cada
elemento visual de la puesta en escena, cada capa de sonido debía estar
justificada y tener su propio valor expresivo. El resultado es un trabajo de
una sorprendente sutileza y repleto de motivos sonoros (que en muchos casos
anticipan escenas que todavía no han aparecido en la película) que requiere de
múltiples visionados para poder ser apreciado en su totalidad. Aunque
'Oppenheimer' esté plagada de efectos sonoros (muchos de ellos producidos de
forma orgánica), esta película está mucho más centrada en los diálogos de lo
que suele ser habitual en el cine de Nolan, y por ello fue importante crear
entornos específicos y diferenciados para cada una de las ubicaciones en las
que se reúnen los personajes.
'La zona de interés' (Tarn Willers y Johnnie Burn)
Ninguno de los dos nominados por el sonido de 'La zona de interés' tiene
experiencia previa en los Oscar y, sin embargo, estos dos novatos se han
convertido en la única alternativa a 'Oppenheimer' (no en vano, ya lograron
hacerse con el BAFTA). Johnnie Burn, que también se encargó del sonido de otra
de las películas más importantes de 2023 ('Pobres criaturas'), es el
responsable de uno de los paisajes sonoros más perturbadores que se recuerdan
en la historia del cine. El diseñador investigó meticulosamente Auschwitz para
recrear los terribles sonidos que escuchamos de fondo mientras asistimos a las
escenas cotidianas de la familia nazi protagonista. La particular forma de
rodar de Jonathan Glazer condicionó el trabajo de Burn (y también de Tarn
Willers, el otro mezclador): las cámaras y los micrófonos estaban escondidos
por toda la casa como si se tratara de un 'reality show'. A menudo se rodaban
varias secuencias al mismo tiempo, por lo que los mezcladores obtenían
múltiples pistas de audio que después tenían que balancear hasta obtener algo
que fuera lo más parecido posible al sonido de una casa real.
Ganará:'Oppenheimer'
Podría ganar: 'La zona de interés'
Debería ganar: 'La zona de interés'
Debería estar nominada: 'La sociedad de la nieve'
MEJOR CANCIÓN
'American Symphony': It Never Went Away (Jon Batiste y Dan Wilson)
Jon Batiste, ganador del Oscar por la banda de sonora de 'Soul', consigue su
primera nominación en Mejor Canción gracias al tema principal del documental
que también protagoniza. 'American Symphony' narra el drama personal de
Batiste que, mientras alcanzaba el punto más alto en su carrera musical
(Grammy al mejor álbum del año incluido), ayudaba a su esposa (la escritora
Suleika Jaouad) en su lucha contra la leucemia. Aunque 'American Symphony'
no logró convencer a la rama de documentalistas (su sorprendente ausencia en
la categoría se ha hecho aún más notoria tras su victoria en el PGA), sí
logró hacerse con una presencia en Mejor Canción gracias a un tema sencillo
pero de una gran carga emocional. Como no puede ser de otra manera, It Never
Went Away, es una canción de amor que Batiste dedica a su mujer.
'Los asesinos de la luna': Wahzhazhe (A Song For My People) (Scott
George)
La gran sorpresa en esta categoría fue la presencia del tema que suena al
final de 'Los asesinos de la luna'. Esta canción compuesta e interpretada
por Scott George, el músico Osage que aparece cantando en la película, tiene
un gran componente religioso y pretende lanzar un mensaje optimista para su
tribu. Aunque el tema tiene una gran fuerza dentro del film de Scorsese
(sobre todo por las imágenes que la acompañan), resulta monótona y
repetitiva cuando es escuchada fuera de la película (en gran parte, debido a
sus más de seis minutos de duración). Sin embargo, la actuación de Scott
George and the Osage Singers será uno de los momentos más emocionantes de la
noche puesto que esa será la única que ocasión en la que veamos sobre el
escenario a integrantes reales de la tribu que fue masacrada en el genocidio
que narra la película.
'Barbie': I'm Just Ken (Mark Ronson y Andrew Wyatt)
Mark Ronson y Andrew Wyatt, ganadores del Oscar por Shallow, son los
responsables de I'm Just Ken, la canción paródica interpretada por Ryan
Gosling que da pie a una de las secuencias más recordadas de 'Barbie'.
Ronson, compositor de la banda sonora de la película, escribió la canción
como una broma y se la mandó a Greta Gerwig sin sospechar que tanto a la
directora como a Gosling les gustaría lo suficiente como para reservarle un
sitio privilegiado en el film. Aunque no es la canción principal de
'Barbie', I'm Just Ken fue un verdadero fenómeno en Spotify, entró en el Hot
100 de Billboard y Gosling incluso se prestó a grabar una versión navideña.
La actuación ya confirmada de Gosling en la ceremonia es uno de los momentos
más esperados de la noche.
'Barbie': What Was I Made For? (Billie Eilish y Finneas O'Connell)
Aunque es probable que muchos académicos prefieran el divertimento hortera de
I'm Just Ken, lo cierto es que la canción de prestigio de 'Barbie' es What Was
I Made For?. La ganadora del Grammy a la mejor canción del año (ahí es nada)
es también la que mejor resume el mensaje de la película de Greta Gerwig y, no
en vano, la que suena en su momento más emotivo. La directora pensó que Billie
Eilish y su hermano Finneas eran los ideales para esta tarea porque el padre
de ambos trabajaba en Mattel y la cantante es una gran fan de la muñeca. El
dúo que ganó una estatuilla gracias a 'No Time to Die' escribió una canción
melancólica pero optimista que rápidamente se ha convertido en un himno. Tras
haber ignorado a Greta Gerwig en Mejor Dirección y a Margot Robbie en Mejor
Actriz, una derrota de What Was I Made For? ante I'm Just Ken sería la
confirmación definitiva de que el mensaje de 'Barbie' no ha logrado calar muy
hondo en los Oscar.
'Flamin' Hot: La historia de los Cheetos picantes': The Fire Inside (Diane
Warren)
Parafraseando a Thanos, Diane Warren es inevitable. Este es el séptimo año
consecutivo que la compositora consigue colarse en la categoría de Mejor
Canción y, como suele ser habitual, lo hace por una película que no tiene
nominaciones en ningún otro apartado. Con The Fire Inside, interpretada por
Becky G, se puede decir que Warren ha innovado porque no se trata de una
balada sino de un medio tiempo con tintes latinos y un estribillo pegadizo. No
está al nivel de sus grandes temazos de los años 90 pero al menos tiene algo
más de chispa que la mayoría de las canciones por las que ha sido nominada en
este siglo. Aunque Warren todavía no ha podido materializar ninguna de sus
nominaciones al Oscar, la Academia ya despachó su deuda hace dos años al
otorgarle una estatuilla honorífica.
Ganará:'Barbie': What Was I
Made For?
Podría ganar: 'Barbie': I'm Just Ken
Debería ganar: 'Barbie': I'm Just Ken
Debería estar nominada: 'Balada de pájaros cantores y serpientes': Can't Catch Me Now
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